С развитием технологий процесс создания оркестровой музыки стал доступен практически каждому, кто готов потратить немного времени на освоение секвенсора и сэмплера Kontakt! Но хоть производители сэмплированных инструментов и сделали все, чтобы облегчить работу продюсера, вопрос о техниках сведения оркестровой музыки остается актуальным.

Прежде чем перейти к деталям обработки, я хочу остановиться на основных концепциях - специфике работы с виртуальными инструментами, а также нюансах, которые нужно принять во внимание именно при сведении треков симфонической музыки. Итак, поскольку работу по формированию звучания выполнила команда профессионалов, сосредоточьтесь в первую очередь на аранжировке и подборе звуков. Если звучание данного виртуального инструмента не отвечает вашей задумке - он слишком тонкий или наоборот чрезмерно жирный - лучше заменить его на более подходящий. Помните - звуки в библиотеках уже значительно обработаны с учетом концепции самой библиотеки. Поэтому сведение должно носить больше технический характер - подчеркнуть разделение элементов в пространстве, заставить разрозненные звуки работать как единый органичный трек. Как правило ни о какой радикальной обработке речи не идет! Поэтому еще раз - аранжировка первична! Именно она закладывает звучание трека.

Следующая концепция - лееринг. В оркестровой музыке партии часто пишутся для групп инструментов. Например скрипки+флейты+гобой, контрабас+виолончель+фагот, труба+французский рожок+тромбон. Таким образом достигается богатая тембральная палитра симфонического оркестра. Поскольку при этом создается фактически новый инструмент, то и обрабатывать его нужно как один многослойный элемент. Обработка отдельных слоев применяется только как завершающий мазок, если обработка группы не дала 100% желаемого результата.

Следующее. Сведение классической музыки концептуально отличается от работы с треками многих современных жанров, в которых партии образно говоря статичны - достаточно подобрать обработку для каждой из них, и она не меняется от начала песни и до самого конца. Работая с оркестровой музыкой, сразу настройтесь на обилие автоматизации, потому что постоянное движение звуковой картины, перетекание партий с переднего на задний план и обратно являются основой жанра.

Теперь непосредственно о сведении и мастеринге оркестровой музыки.

1. Баланс и автоматизация громкости

Это самый мощный и самый важный прием в ваших руках!

Именно громкость и ее автоматизация задают 95% характера произведения. Сначала постройте черновой баланс трека - это будет отправной точкой для дальнейшей работы. Дальше внимательно прослушайте произведение от начала до конца и отметьте для себя моменты кульминации и спада напряжения, особо эмоциональные фрагменты. Теперь с помощью автоматизации усильте драматический эффект, подчеркните крещендо и диминуэндо огибающими громкости.

2. Реверберация

При создании симфонических виртуальных библиотек часто как профессионально сводить оркестровую музыкузвуки записываются сразу с натуральной реверберацией помещения, некоторые библиотеки даже позволяют комбинировать до трех позиций микрофонов (Close, Stage, Surround). Поэтому лучше сразу добиться желаемого пространственного эффекта на стадии аранжировки. Сугубо из технических соображений - звучание цифровых ревербераторов существенно отличается от натуральной реверберации концертных залов и при добавлении такой реверберации все равно будет ощущаться ее чужеродность.

Если же все таки решили добавить пространственной обработки, лучше воспользоваться конволюционными ревербераторами - используемые в них импульсы являются слепками реальных помещений и лучше подойдут при сведении оркестровой музыки.

3. Компрессия

Ее использование при сведении оркестра, созданного профессиональное сведение оркестровой музыкивиртуальными инструментами носит больше хирургический характер. Ведь мы имеем дело с семплированными инструментами, динамика которых легко управляема по МИДИ, а перед этим еще была выровнена на стадии записи. Поэтому компрессию стоит применять:

- для разделения элементов трека  в пространстве. Моим любимым приемом является нежная компрессия с максимальным значением Knee для более надежного размещения звуков на заднем плане. Релиз (время отпускания) при этом минимальный, уровень подавления порядка 1-2 дБ.

- для придания специфического характера.  Применяется как правило для инструментов среднего плана в нагруженных миксах, чтобы не дать им потеряться среди других звуков. При этом часто используются агрессивные компрессоры типа Distressor, Lindell 354E.

- для общего склеивания микса на мастер канале. Здесь компрессия должна быть максимально незаметной. Соотношение 2:1, Атака 200-300 мс, короткий Релиз, уровень подавления 0.5-1.5 дБ.

4. Эквализация

Сразу хочу обратить внимание на часто встречаемую ошибку - фильтрацию низов. Звуки виртуальных симфонических библиотек уже обработаны, в том числе и Low Cut фильтрами. Дополнительная обрезка низа пойдет скорее во вред - сделает их звучание тонким и резким. В большинстве случаев она не нужна, поэтому подумайте дважды, прежде чем браться за Low Cut фильтр.

В остальном же эквализация при сведении эпичной оркестровой музыки, является преследует две цели:

- убрать частотные конфликты (как правило в низах и нижней середине). Для этих целей лучше всего использовать линейно фазовый цифровой эквалайзер. Вырезы нужно делать очень узкими полосами.

- придать больше характера и цвета. Для этой работы также можно использовать цифровой эквалайзер. Если же нужна еще и сатурация, то отлично сработают эмуляции винтажных эквалайзеров. В обоих случаях усиление частот должно быть не больше 3 дБ.

5. Стерео Образ

Я категорически против использования стерео экспандеров при сведении и мастеринге симфонической музыки  - все что они могут дать, это фазовые искажения и потеря моно совместимости. Аранжировка и панорамирование - вот ваши лучшие помощники в проработке стерео образа. Выберите по одной партии (как правило среднего плана), которые будут обозначать широту микса и панорамируйте в крайнее правое и левое положение. Сделав один из них громче другого, вы усилите эффект разницы звучания каналов (именно она дает нашему мозгу ощущение широты) а значит и субъективную широту микса.

Важная деталь: в нагруженных миксах для большей чистоты звучания используйте только по одному из каналов для стерео треков, занимающих крайние положения панорамы. Например, только левый канал для скрипок, спанорамированных 100% влево, и только правый канал для скрипок, спанорамированных 100% вправо.

6. Мастеринг Оркестровой Музыки

Вот здесь наконец можно применить Low Cut фильтрацию. профессиональные приемы мастеринга оркестровой музыки Радикальные значения не требуются. Достаточно подрезать саб низа в Mid канале в районе 20-30 Гц (крутизна среза 12 дБ на октаву), и подчистить Side канал от ненужных призвуков реверберации  еще одним фильтром в районе 80-120 Гц.

Следующим этапом я часто применяю PuiqTec EQP1A от Waves, придающий сочное звучание средним частотам. Его собственная сатурация, плюс небольшой вырез в нижней середине и легкое усиление в районе 3-8 кГц - вот и все что мне от него нужно.

Для еще более теплой середины хорошо работает Revival - бесплатный, но великолепно работающий эксайтер от Steven Slate. Иногда достаточно просто установить его на мастер канал без дополнительных настроек для получения желаемого эффекта.

Когда необходимый цвет финального микса достигнут, остается склеить его компрессором - подробно о его настройках говорилось в пункте 3.

И завершает цепочку мастеринга лимитер. Поскольку для оркестровой музыки живая динамика превыше всего, задача лимитера просто немного выровнять динамику микса, ограничив излишние пики.

Подводя итог, хочется отметить, что главным в процессе сведения и мастеринга эпичной оркестровой музыки является принцип "не навреди". Работая с сэмплированными инструментами, вы оперируете уже качественно подготовленными звуками, которые при грамотной аранжировке уже звучат как законченное произведение. И ваша задача в первую очередь подчеркнуть драматургию произведения автоматизацией громкости и едва заметно оформить звуки, чтобы они работали как единый микс.